.JPG "Retablo. Palacio de Saldañuela.")
¡Muy feliz Navidad y un 2026 lleno de ilusiones y gratas realidades a todos los seguidores y simpatizantes de este blog!
.JPG "Retablo. Palacio de Saldañuela.")
.JPG "Retablo. Palacio de Saldañuela.")
Fotos: Javier Nebot.
miércoles, 17 de diciembre de 2025
domingo, 14 de diciembre de 2025
216. Escultura. Índice.
Escultura.
-1). Post 2 de agosto del 2016.
Escultura Hiperrealista en el Museo de Bellas Artes de Bilbao.
.JPG "Escultura. -Post 2 de agosto del 2016. Escultura Hiperrealista en el Museo de Bellas Artes de Bilbao. Desde el Renacimiento hasta nuestros días: 71. Exposición de escultura hiper-realista en el Museo de Bellas Artes de Bilbao. (desdeelrenacimientohastanuestrosdias.blogspot.com)")
-2). Post del 23 de enero del 2022.
Mármoles Elgin/Mármoles del Partenón.
.JPG "-Post del 23 de enero del 2022. Mármoles Elgin/Mármoles del Partenón. Desde el Renacimiento hasta nuestros días: 151. Mármoles Elgin/Elgin Marbles (Mármoles del Partenón). (desdeelrenacimientohastanuestrosdias.blogspot.com)")
-3). Post del 6 de marzo del 2025.
San Juan de Letrán. Roma.
.JPG "Post del 6 de marzo del 2025. San Juan de Letrán. Roma. Desde el Renacimiento hasta nuestros días: 204. San Juan de Letrán. Roma. (1).")
-se actualizará-
Todas las imágenes y/o vídeos que se muestran corresponden al artista o artistas referenciados.
Su exposición en este blog pretende ser un homenaje y una contribución a la difusión de obras dignas de reconocimiento cultural, sin ninguna merma a los derechos que correspondan a sus legítimos propietarios.
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jueves, 11 de diciembre de 2025
215. Barroco. Índice.
BARROCO.
El barroco es un estilo occidental de arquitectura, música, danza, pintura, escultura, poesía y otras artes que floreció desde principios del siglo XVII hasta la década de 1750. Siguió el arte renacentista y el manierismo y precedió al Rococó (en el pasado a menudo denominado "barroco tardío") y estilos neoclásicos. La Iglesia católica lo fomentó como medio para contrarrestar la simplicidad y austeridad de la arquitectura, el arte y la música protestantes, aunque el arte barroco luterano también se desarrolló en algunas partes de Europa.
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1). Post del 22 de junio del 2014. Pieter Claesz.
Desde el Renacimiento hasta nuestros días: 7. Pieter Claesz (1597-1661).
.jpg "https://desdeelrenacimientohastanuestrosdias.blogspot.com/2014/06/pieter-claesz-1597-1661.html")
-2). Post del 25 de mayo del 2019.
Elisabetta Sirani.
.jpg "https://desdeelrenacimientohastanuestrosdias.blogspot.com/2019/05/123-elisabetta-sirani-italia-1638-1665.html")
-3). Post del 16 de diciembre del 2020.
Marianne Loir.
%20(16).jpg "https://desdeelrenacimientohastanuestrosdias.blogspot.com/2020/12/147-marianne-loir-1715-1769.html")
-4). Post del 10 de febrero del 2021.
Anna Dorothea Lisiewski-Therbusch.
-5). Post del 11 de diciembre del 2024.
Adelaide Labille-Guiard.
-se actualizará-
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214. Academicismo. Índice.
Academicismo
-1). Post del 1 de agosto del 2017. Gulio Aristide Sartorio.
Desde el Renacimiento hasta nuestros días: 88. Giulio Aristide Sartorio. (Italia, 1860-1932)
.jpg "https://desdeelrenacimientohastanuestrosdias.blogspot.com/2017/08/giulio-aristide-sartorio-italia-1860.html")
-2). Post del 28 de marzo del 2020.
George Spencer Watson.
.jpeg "https://desdeelrenacimientohastanuestrosdias.blogspot.com/2020/03/134-george-spencer-watson-reino-unido.html")
-3). Post del 14 de mayo del 2024.
Gustav Wertheimer.
-4). Post del 20 de noviembre del 2024.
Madeleine Lemaire.
.jpg "https://desdeelrenacimientohastanuestrosdias.blogspot.com/2024/11/195-madeleine-lemaire-1845-1928.html")
-5). Post del 17 de febrero del 2025.
François-León Bénouville.
-se actualizará-
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miércoles, 10 de diciembre de 2025
213. Alfred Stevens (Bruselas, 1823- París, 1906).
Alfred Stevens: elegancia, modernidad y mundo burgués en la pintura del siglo XIX
La vida del pintor belga Alfred Stevens se desarrolló a lo largo de buena parte del sorprendente
siglo XIX. Desde el punto de vista artístico pudo ver y experimentar un amplio
abanico de posibilidades creativas: desde los ecos finales del romanticismo
hasta los inicios de cambio radical que supuso el surgimiento del impresionismo; desde el punto
de vista social vivió en un mundo de constantes transformaciones debidas, muchas de ellas, al empuje y el imparable ascenso de la burguesía, a los cambios que ello supuso cara al surgimiento de nuevos
espacios urbanos y, como lógica consecuencia, a los cambios -rápidos- hacia unas sensibilidades cada vez más
modernas y deseosas de romper con el pasado.
Sus creaciones, profundamente vinculadas a la
sociedad elegante del Segundo Imperio
francés, lo convirtieron en uno de los grandes narradores visuales de la
vida femenina y del refinamiento cotidiano de la época.
Alfred Émile Léopold Stevens nació en Bruselas el 11 de mayo de 1823, en el seno de una familia con profundo
interés por el arte: su abuelo había sido un coleccionista de cierto renombre,
su padre también fue coleccionista y mostró un verdadero interés por las obras de Géricault y Delacroix, además de por la cultura en general. Su hermano Joseph se
convertiría en un reputado pintor animalista y su hermano Arthur se convirtió en marchante de arte. No cabe duda de que esta
atmósfera tan proclive al arte favoreció una educación temprana orientada hacia las
Bellas Artes.
Estudió primero en la Académie de Bruxelles.
Allí recibió una enseñanza sólida en dibujo académico y composición. Siendo muy
joven aún, se trasladó a París que en ese momento era, indiscutiblemente,
el centro del arte europeo.
Ingresó en la École des Beaux-Arts y fue
alumno de Dominique Ingres, entrando en su círculo a la vez que ingresaba como copista del Louvre
como discípulo de Joseph-Nicolas Robert-Fleury.
A través de estos artistas entró en contacto con los debates
entre la tradición clásica, el romanticismo y un realismo incipiente que empezaba
a abrirse camino. Ese cruce de múltiples influencias sería fundamental para su
estilo posterior: un dibujo refinado, propio de la escuela neoclásica, que
conviviría en sus obras con un profundo sentido de la vida cotidiana moderna.
.jpg "The Lady in pink. Alfred Stevens (Bruselas, 1823- París, 1906).")
Sus primeras obras reflejan un compromiso con temas
sociales.
A mediados de la década de 1850 pintaba escenas que mostraban a
veteranos de guerra, enfermeras o figuras humildes, con una mirada compasiva y
dentro de una tónica de realismo sobrio.
Esta etapa demuestra que Stevens no fue
solamente un pintor de elegancias femeninas y burguesas:
mostraba también una
sensibilidad atenta hacia lo que para muchos podrían ser los márgenes de la
sociedad.
Alfred Stevens - 67 obras de arte - pintura
De todas formas resulta obvio que a partir de los años
del Segundo Imperio (1852–1870), con la corte de Napoleón III y la emperatriz Eugenia de Montijo en pleno auge, su mirada se desplazó hacia la
representación de mujeres de la alta burguesía en interiores lujosos.
Esta
elección no fue lo que se dice casual: París vivía un periodo de esplendor
material y renovación urbana total bajo el barón Haussmann, y la alta burguesía
cultivaba un estilo de vida en donde la moda, la decoración y el consumo
cultural adquirían un protagonismo inédito hasta esos momentos. Stevens supo
captar ese ambiente como nadie y fue clave para su éxito en su momento (aunque hoy en día nos resulte un poco pasado de moda).
Probablemente, lo que distingue a Stevens es la sutileza psicológica con la que
representa a la gran mayoría de sus modelos femeninas. No suelen ser simples
figuras decorativas que lucen brillantes atuendos ya que en sus cuadros se
pueden adivinar estados de ánimo, dudas, expectativas. Como en tradiciones
pasadas (ver pinturas barrocas y rococó o incluso Vermeer) nos muestra a mujeres
que aparecen leyendo, esperando una carta, pensando en silencio o, simplemente,
saliendo de casa, probándose un vestido o recibiendo una visita pero
trasluciendo emociones, intenciones. Stevens capturó la intimidad casi en grado
literario, influido como no podía ser menos por la novela realista que
triunfaba en la época.
A lo
dicho anteriormente, se suma su maestría en los interiores burgueses, tema que
desarrollaron también con mucho talento sus colegas de diferentes estilos y
escuelas. Sus escenarios —alfombras orientales, biombos japoneses, muebles
lacados, porcelanas— revelan el gusto
por el japonismo, que invadió
París tras la apertura comercial con Japón en 1854. Stevens fue uno de sus
primeros grandes intérpretes, incorporando abanicos, kimonos y estampas niponas
en composiciones que dialogaban con la moda internacional.
Su estilo, aunque sólido y académico en el dibujo, se
volvió con el paso del tiempo cada vez más luminoso y suelto. Especialmente a partir de 1870, cuando
los contactos con Manet y los impresionistas introdujeron en su obra un aire
más vibrante y una pincelada más ligera.
No llegó a ser un impresionista, pero
su pintura se volvió más abierta, más moderna, y su manejo de la luz en
interiores se acercó a la sensibilidad del momento.
Stevens participó desde muy joven en el Salón de
París y obtuvo en diversos momentos medallas y distinciones. Su éxito fue
rápido y sostenido ya que coleccionistas privados y figuras destacadas de la
sociedad adquirían sus obras, consolidando su reputación como pintor de la vida
moderna.
Entre 1867 y 1868 alcanzó un reconocimiento especial:
durante la Exposición Universal de 1867 recibió la Medalla de Oro, un logro que
lo situó entre los grandes nombres de la escuela francesa. Aunque belga de
nacimiento, Stevens estaba completamente integrado en el ambiente cultural
parisino y mantenía amistades con pintores como Manet, Degas, Fantin-Latour o
Whistler, así como con escritores y críticos influyentes.
La guerra de 1870–1871, franco-prusiana, causó un verdadero shock en toda Francia.
El Segundo Imperio desapareció y los prusianos coronaron a su emperador en París y fundaron el Imperio Alemán. Entre otras muchas y gravosas consecuencias Francia perdió buena parte de las provincias de Alsacia y Lorena.
Evidentemente, unos acontecimientos de esta magnitud trastocaron la vida parisina y también
la de Stevens. Aunque no perdió su prestigio, el ambiente artístico cambió
profundamente: el Segundo Imperio cayó, la burguesía replanteó su lugar, y
surgieron nuevas sensibilidades estéticas más audaces.
En años posteriores, Stevens publicó un curioso libro
titulado “Impression sur la peinture” (1886), una mezcla de reflexión y
conversación artística, donde defendía la importancia de ver y sentir el mundo
moderno con ojos atentos, casi “impresionistas”. Su pensamiento revela a un
artista permeable a lo nuevo y dispuesto a dialogar con la evolución del arte
sin renunciar a su idioma pictórico.
Durante su madurez fue profesor y mentor de numerosos
jóvenes pintores, especialmente mujeres, que encontraban en él un maestro
sensible a la representación del mundo femenino. Además, viajó regularmente a
la costa del norte de Francia para retratar escenas de playa, donde una
pincelada más libre y luminosa anunciaba el tono atmosférico del cambio de
siglo.
En sus últimos años, su prestigio se mantuvo alto,
aunque la irrupción de los nuevos movimientos de vanguardia —el simbolismo, el
fauvismo, el expresionismo temprano— desplazaron naturalmente su estilo hacia una
posición más clásica. Falleció en París en 1906, rodeado del respeto de sus
contemporáneos y dejando tras de sí una obra elegante, penetrante y
representativa de toda una forma de vivir el siglo XIX.
Todas las imágenes y/o vídeos que se muestran corresponden al artista o artistas referenciados.
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viernes, 21 de noviembre de 2025
212. Elisàr von Kupffer (Estonia,1872-Suiza, 1942)
Pintor, poeta y dramaturgo queer, fascista y filonazi. Utilizó el seudónimo de Elisarion en la mayoría de sus escritos.
.jpg "Elisàr von Kupffer (Estonia,1872-Suiza, 1942)")
Elisàr von Kupffer -nacido Ilja Viktorovitj von
Kupffer el 20 de febrero de 1872 en Kovno (entonces Imperio ruso)- fue lo que se dice un
personaje atípico.
Pintor, escritor
y pensador místico su vida osciló entre el idealismo estético, la búsqueda
espiritual y ciertas posiciones políticas y culturales extremadamente
conservadoras que, en los años treinta, lo llevaron a simpatizar con tesis
fascistas e, incluso, con el régimen de Hitler.
Ciertamente, fue una figura compleja y muy
contradictoria:
Hoy es
apreciado, a pesar de todo, en algunos círculos, como un pionero de la representación
homo-erótica masculina y un proto-queer.
.JPG "Von Kupffer con su compañero el historiador Eduard von Mayer.")
Kupffer, proveniente de la nobleza báltico-germana, creció
en un ambiente multilingüe y culto. Su infancia en Kovno —una ciudad marcada
por tensiones nacionales y religiosas— le proporcionó un contacto prematuro con
la complejidad cultural europea. A comienzos de los años 1880 su familia se
trasladó a territorios alemanes, donde recibió una educación clásica que moldeó su gusto por el helenismo, la
mitología y la idealización del cuerpo humano.
Precoz, muy pronto mostró talento para las artes y las
letras. Estudió en San Petersburgo y Berlín, pero más que un alumno académico
fue un autodidacta refinado que absorbió influencias del simbolismo, del
neorromanticismo alemán y de lo que podríamos llamar estética mediterránea. En
la década de 1890 adoptó el nombre “Elisàr”, que le parecía más acorde
con su vocación espiritual y artística.
"El desarme" (1914).
"El vendedor de pájaros" (1918).
En 1891 conoció a Eduard von Mayer, un encuentro que resulto ser decisivo, fundamental, en la vida de Von Kupffer. Mayer, un intelectual místico y reflexivo, se convirtió en su compañero de vida y de pensamiento.
Juntos elaboraron una filosofía personal llamada Klarismus (“clarismo”), una especie de religión estética basada en la búsqueda de la luz interior, la armonía moral y la belleza como expresión de elevación espiritual. El Klarismus no fue tanto un movimiento organizado como, más bien, una cosmovisión íntima y bastante autorreferencial: hay un rechazo a la modernidad fragmentaria, una fe en un orden superior, una manifiesta idealización de la juventud y del cuerpo masculino como símbolo de pureza… Esta filosofía, con su toque arcádico, sería la fuente de inspiración de toda su obra pictórica.
"La ascensión" (1911).
"La danza en el templo" (1918)
A partir de 1912, Kupffer y Mayer iniciaron un periplo viajero en el que se establecieron sucesivamente en Florencia, Capri y, finalmente, en Suiza. Italia (al igual que entre otros muchos artistas norteños) tuvo un impacto inmenso en su arte: su potente luz, la sensualidad del paisaje y la continuidad histórica entre lo clásico y lo contemporáneo le permitieron desarrollar un estilo caracterizado por: Desnudos masculinos idealizados, calmados y luminosos; una paleta de tonos claros y vibrantes, casi solar, que evocaba serenidad y plenitud; escenas arcádicas y ensoñadoras, repletas de bañistas, jóvenes héroes, divinidades menores y alegorías de diverso tipo; composiciones equilibradas, ajenas a la tensión y al drama.
En plena era
de vanguardias rompedoras, Kupffer decidió seguir un camino intensamente propio, totalmente ajeno a los ismos
de moda. Fue un tipo que rechazaba tanto el “ruido” de las vanguardias en voga como la rigideces del academicismo tradicional. Quería —literalmente— pintar un mundo luminoso que no existía.
Entre los años 1920 y 1930, ya instalados en Minusio (Suiza), Kupffer y Mayer dieron vida a su proyecto más ambicioso: el Sanctuarium Artis Elisarion. Más que un museo, era un espacio espiritual y artístico dedicado al Klarismus, con salas de lectura, espacios de meditación y, en el centro, un enorme ciclo pictórico circular titulado “Klarwelt der Seligen” (“El mundo claro de los bienaventurados”).
Esta obra, una suerte de “cosmos pictórico”, rodeaba al espectador con escenas paradisíacas y
figuras jóvenes en estado de perfección armoniosa. Era, en cierto modo, la
Arcadia final de Elisàr, la culminación de una vida consagrada a la
creación de una belleza que él consideraba redentora.
"San Sebastián".
"Autorretrato".
Aunque, aparentemente, su arte era apolítico, los años 1930 revelaron en Kupffer facetas
ideológicas oscuras, documentadas hoy con claridad gracias a cartas privadas y
anotaciones personales. La imagen edulcorada que durante décadas se
construyó de él ha sido corregida por la investigación más reciente.
Kupffer pertenecía a una generación aristocrática desencantada con la modernidad, que veía en la República de Weimar un periodo de caos moral, decadencia cultural y desorden social.
Su rechazo visceral a muchas formas de arte moderno -que consideraba realmente feo e, incluso, destructivo y deshumanizado- lo llevó a asociarlo (como pasó de hecho con otros conservadores de su tiempo) con “influencias” que él interpretaba como extranjeras o desestabilizadoras. En diversas cartas y reflexiones escritas, Kupffer expresó ideas antisemitas hoy inaceptables para la gran mayoría social: acusaba a la crítica liberal y a las vanguardias de ser vehículos de “desorden cultural” (cosa que, en parte, podría ser cierta en ese momento) y hablaba de una supuesta Verjudung (“judaización”) del arte alemán (que no sé exactamente en que podía traducirse ni detectarse). No fue un ideólogo nazi ni un militante, pero compartió prejuicios culturales y raciales comunes en ciertos círculos germanófilos conservadores de comienzos del siglo XX.
"Uvas de Ticino"
Con la llegada del nacionalsocialismo al poder, Kupffer escribió varias cartas mostrando entusiasmo por Hitler y su “renacimiento alemán”. Aunque hoy nos resulta una figura terriblemente patética y destructora, el führer, ejerció verdadera fascinación de millones de sus contemporáneos y Von Kupffer no fue la excepción: Veía en él una figura fuerte que restauraba el orden y la moral -según su personal perspectiva-, y creyó que el nuevo régimen armonizaba con la búsqueda espiritual del Klarismus. Desde Suiza, y a través de fuentes selectivas, interpretó el régimen como un movimiento de regeneración y purificación cultural, sin comprender (o sin querer ver) su violencia y su maquinaria represiva.
Como es fácil de comprender, el nazismo, en realidad, jamás adoptó a Kupffer,
porque su obra homoerótica, espiritualista y soñadora era incompatible con la
moral sexual y el esteticismo muscular que imperaba en la imaginería del régimen. Fue, digamos, una simpatía
unidireccional.
En sus últimos años, Kupffer vivió una existencia retirada y tranquila en Minusio (Suiza), dedicado a su Sanctuarium y cada vez más alejado de los movimientos culturales contemporáneos. Murió el 31 de octubre de 1942.
Su compañero Mayer custodió su legado hasta 1960, tratando de preservar la
memoria luminosa del artista y ocultando y destruyendo, en parte, sus sombras ideológicas.
Tras su muerte, la obra de Kupffer cayó en un relativo silencio. Su carácter homoerótico dificultaba su exposición pública, y su estética utópica parecía anacrónica en la posguerra. Además, durante décadas, muchos estudiosos minimizaron o silenciaron sus simpatías políticas para salvaguardar su relevancia dentro de la cultura queer europea. A fines del siglo XX y comienzos del XXI, historiadores del arte y especialistas en cultura homosexual rescataron su figura y ha comenzado una prudente revalorización.
Bajo el Signo de Libra: Elisar von Kupffer
Elisar von Kupffer - Repubblica e Cantone Ticino
"Hora sagrada"
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