232. Albert Weisgerber (Alemania, 1878-1915).

Albert Weisgerber fue una de las voces pictóricas más singulares de la joven Escuela muniquesa de comienzos del siglo XX: un pintor que, sin romper bruscamente con las herencias impresionistas, llevó su pintura hacia una primera expresión moderna, muy marcada por el color suelto, por la potente vivacidad en las escenas de género y por el interés por la figura humana en contextos urbanos y campestres. 

Nacido en Sankt Ingbert el 21 de abril de 1878, su formación y su carrera se desarrollaron en la enérgica atmósfera artística de Múnich, ciudad que por entonces se esforzaba por disputar a París el liderazgo cultural, especialmente en pintura.

Weisgerber inició su aprendizaje como pintor decorador y estudió en la Kunstgewerbeschule de Múnich (Real Escuela de Artes y oficios) tras una etapa formativa en Kaiserslautern y en Frankfurt.

Real Escuela de Artes y Oficios de Múnich - Wikipedia, la enciclopedia libre

Entre 1897 y 1901 fue alumno de la Academia de Bellas Artes de Múnich, donde trabajó en el taller de Franz von Stuck, una figura decisiva en el ambiente académico y simbolista de la capital bávara. y a quien ya dedicamos anteriormente una entrada en este blog.

 Desde el Renacimiento hasta nuestros días: 10. Franz von Stuck (1863-1928).

Durante esos años entabló amistad con artistas que serían esenciales para la vanguardia alemana -Paul Klee, Wassily Kandinsky y Hans Purrmann entre otros- y colaboró como ilustrador para la influyente revista Jugend, que difundía las nuevas estéticas visuales en Alemania. Estas experiencias le dieron un sólido manejo de la figura y una sensibilidad hacia la renovación del color y la pincelada.

Descarga gratuita de Jugend, la mítica revista de Art Nouveau alemana - Cultura Inquieta

Biografía - Fundación Albert Weisgerber

La obra de nuestro pintor se caracteriza por una focalización insistente en escenas de género -cafés, cervecerías, paseos en el parque- pero, también, retratos y grupos que captan la vida social de la burguesía y la bohemia muniquesas. Su paleta, a menudo luminosa y con toques expresivos, y su pincelada decidida lo sitúan en un punto de cruce entre el impresionismo tardío y los impulsos expresionistas que luego tomarían mayor fuerza en Alemania. Pinturas como Im Biergarten (En la cervecería), In the Munich Hofgarten o sus retratos y autorretratos muestran su capacidad para arrestar el gesto y la atmósfera con brochazos que a la vez definen volumen y vibración cromática.

Aunque Weisgerber fue en muchas ocasiones por libre, no se trató de un "aislado": participó activamente en la vida del círculo artístico muniqués. 

Fundó en 1898 el grupo Sturmfackel con Alfred Kubin, trabajó con revistas de vanguardia y, ya en 1913, fue uno de los fundadores y primer presidente de la Münchener Neue Secession, asociación colectiva que reunió a artistas preocupados por renovar la escena pictórica lejos del academicismo tradicional. Su papel organizador y su sociabilidad lo convirtieron en un nodo importante entre generaciones y tendencias.

Desde el Renacimiento hasta nuestros días: 211. Alfred Kubin (1877-1959).

Albert Weisgerber - Wikipedia, la enciclopedia libre

Secesión de Múnich - Wikipedia, la enciclopedia libre

En la década de 1900–1910 se consolidó su estilo: escenas sociales a plena luz, composiciones abiertas y una economía de medios que alterna definiciones vigorosas con zonas de pincelada más suelta. Entre sus obras más reproducidas figuran escenas de tertulia y jardines públicos, cuadros de playa y composiciones donde el grupo humano se integra como elemento paisajístico y social. Su producción incluye también dibujos y grabados, y en el conjunto de su obra se aprecia una inclinación por captar la modernidad cotidiana sin los desgarros radicales que caracterizarán a las generaciones posteriores.

En 1907 se casó con Margarete (Grete) Pohl -pintora y miembro de una familia acomodada de Praga- y esa relación se reflejó tanto en sus ambientes como en una estabilidad que le permitió desarrollar su trabajo con intensidad durante los años anteriores a la guerra. Su biografía, aunque breve por la abrupta muerte del pintor, combinó la actividad creativa con el papel de organizador y docente informal dentro de los círculos artísticos muniqueses.

Detalles de la persona | Libro memorial digital

Como muchos pintores jóvenes y activos de su generación, Weisgerber se alistó en 1914 cuando estalló la Primera Guerra Mundial. Sirvió en el ejército bávaro; diversas fuentes indican que alcanzó el rango de oficial y que fue destinado al Frente Occidental. Murió en combate el 10 de mayo de 1915 en Fromelles (cerca de Lille/Armentières), una pérdida que truncó una trayectoria aún en pleno desarrollo. 

Su entierro y la posterior memoria pública de su figura han sido objeto de conmemoraciones locales y exposiciones que recuperaron su legado en la región del Sarre y en Múnich. Estas circunstancias bélicas explican en parte por qué su producción no evolucionó hacia las rupturas expresionistas más explícitas que se verían en artistas que sobrevivieron a la guerra.

Durante décadas posteriores a su muerte, Weisgerber fue valorado tanto por su calidad pictórica como por su rol en la vida cultural muniquesa; su obra ha sido objeto de exposiciones, catálogos y numerosas ventas en subasta que mantienen su presencia en el mercado del arte. Museos como el Lenbachhaus y colecciones regionales conservan piezas suyas y han contribuido a situarlo como un puente entre distintas tradiciones pictóricas alemanas de cambio de siglo. Investigaciones recientes han matizado su figura: ya no se le considera un mero seguidor del impresionismo, sino un pintor con voz propia que supo leer la modernidad desde una óptica figurativa y social.

Lenbachhaus - Wikipedia, la enciclopedia libre

Galería municipal en el Lenbachhaus | simply Munich

¿Por qué seguir interesado en Weisgerber hoy? 

Porque su obra ofrece una ventana serena y a la vez enérgica a la vida cotidiana previa a la Gran Guerra, combinando pericia técnica y empatía social. 

Sus escenas de cafés y parques, sus retratos y grupos revelan la textura de una modernidad urbana en la que coexistían cosmopolitismo, ocio y tensiones sociales. Para el historiador del arte, representa además un caso ilustrativo de cómo la modernidad pictórica circuló y se adaptó en centros como Múnich, antes de que estéticas más radicales transformaran la escena europea.

Para quien desee profundizar, recomiendo consultar primero las entradas biográficas de referencia y catálogos de museo: la ficha en la Web Gallery of Art, la entrada general y la bibliografía de Wikipedia (útil como punto de partida bibliográfico), la colección digital del Lenbachhaus (Múnich) y estudios locales sobre la Münchener Secession y la vida artística en Schwabing. Para análisis académicos más finos conviene acudir a tesis y trabajos universitarios que examinan la circulación de grupos como la Münchener Neue Secession y las redes personales de artistas del periodo.

Todas las imágenes y/o vídeos que se muestran  corresponden al artista o artistas referenciados.

Su exposición en este blog pretende ser un homenaje y una contribución a la difusión de obras dignas de reconocimiento cultural, sin ninguna merma a los derechos que correspondan a sus legítimos propietarios.

En ningún caso hay en este blog interés económico directo ni indirecto.

 Javier Nebot

209. Mark Gertler (1891-1939).

 Mark Gertler, pintor inglés muy cercano al conocido grupo de bohemios del Círculo de Bloomsbury, fue un artista de estilo vitalista, colorista y muy personal, ya que no quiso vincularse de forma explícita a ninguna de las escuelas o movimientos de su época.

De origen humilde, nació en 1891 en el seno de una familia de inmigrantes judíos-polacos en un barrio del East End. Su talento, en edad muy temprana, para el dibujo no pasó desapercibido y muy pronto encarriló sus pasos hacia las Bellas Artes. Estudió en el Politécnico de Regent Street y trabajó, con tan solo quince años, como aprendiz en una fábrica de vidrieras.

Su entrada, en 1908, en la prestigiosa Slade School of Fine Art de Londres (que sigue existiendo en la actualidad) fue su primer gran hito personal. Allí tuvo la oportunidad de codearse con otros futuros gigantes del arte británico como Stanley Spencer, David Bomberg, Isaac Rosenberg o Paul Nasch.

Escuela de Bellas Artes Slade

Desde el Renacimiento hasta nuestros días: 143. Stanley Spencer (1891-1959)

Paul Nash (artista) - Wikipedia, la enciclopedia libre

Gertler, y en eso coinciden todos sus biógrafos y quienes le conocieron, era un tipo carismático, seductor y apasionado (también pelín desequilibrado emocionalmente). Vivió intensamente tanto en su vida privada como en su vida creativa.

Sus obras iniciales, pero también las que pintó con posterioridad, muestran esa potencia vital, esa exuberancia y ese deseo de crear algo nuevo que tuviese fuerza y, a la vez, un toque propio y personal.

Como ya he mencionado más arriba, a diferencia de muchos de sus contemporáneos, no quiso verse sometido a los límites que podían suponer el tener que seguir una determinada tendencia artística, aunque tampoco tuvo reparos a la hora de experimentar con el cubismo o el futurismo, sin renunciar por ello a una base claramente figurativa.

Expuso por primera vez su trabajo en el Friday Club en 1911, donde Vanessa Bell era secretaria. No es que la exposición fuese un gran éxito, pero sus retratos y bodegones empezaron a dejarse ver.

En esa misma década de Gertler, a través de su mecenas, Lady Ottoline Morell y de la mencionada Vanessa Bell (la hermana de Virginia Woolf), frecuentó más a Dora Carrington (a quien ya conocía de la Slade School of Fine Art) y con ella a otros muchos miembros del Grupo de Bloomsbury. 

Fue aquella época, para todos los miembros y simpatizantes del grupo, una etapa vital vibrante y sumamente estimulante: se juntaron jóvenes brillantes, intelectuales y artistas, que deseaban romper definitivamente con un modelo social y cultural victoriano asfixiante (pero que no acababa de desaparecer aunque la reina Victoria hubiese muerto en los albores del siglo XX). 

Ellos se atrevieron a vivir tal y como querían, yendo más allá de encorsetamientos y límites pequeño burgueses y aceptando con gallardía (relativa en algunos casos) las críticas y rechazos que generaban en algunos sectores (aunque el alto nivel social garantizaba cierta estabilidad a pesar de todo).

Entre sus principales miembros encontramos, aparte de a Gertler, Bell y Carrington, a Virginia Woolf, Duncan Grant (a quien ya he dedicado entrada en este blog), Clive Bell, Roger Fry, Lytton Strachey, John Maynard Keynes, E.M. Forster, Gerald Brenan o Aldous Huxley.

Círculo de Bloomsbury - Wikipedia, la enciclopedia libre

Desde el Renacimiento hasta nuestros días: 208. Duncan Grant (1885-1978).

Desde el Renacimiento hasta nuestros días: 72. Vanessa Bell. (1879-1961)

Dora Carrington (1893-1932) - English painter, associated with members of the Bloomsbury Group

AL SUR DE GRANADA de FERNANDO COLOMO (tráiler) MERCURY FILMS

Carrington (1995)

Tal y como se deja ver en la película "Carrington" de 1995 (y en el libro que le sirvió de base), nuestro pintor se enamoró apasionada y obsesivamente de Carrington, una dama ambigua que, aunque aceptó tener relaciones con Gertler (y con otros), acabó sucumbiendo, platónica pero totalmente a los encantos (bastante ocultos o disimulados) de un tipo como el escritor Lytton Strachey, declaradamente homosexual.

La relación, que duró más de una década (el muchacho tesón tenía un rato) no fue nada fácil y estuvo repleta de conflictos y enfrentamientos. Dora se sentía muy agobiada por tanto empecinamiento e intensidad por parte de Mark y éste no se sentía correspondido al nivel que él pretendía y necesitaba. 

En 1921 la Carrington se casó inesperadamente con Ralph Partridge, aunque continuó viviendo con Strachey. Este matrimonio a tres fue demasiado para las pretensiones exclusivistas de Gertler que rompió definitivamente la relación no sin quedarse bastante tocado emocionalmente. 

Eso no evitó, que con el tiempo, claro, él tuviese otras relaciones.

En 1930 se casó con Marjorie Greatorex Hogdknson, de quien tuvo un hijo, Luke Gertler, que nació en 1932. Sin embargo, el matrimonio se fue deteriorando y fue una causa más de sufrimiento personal.

Mark Gertler (artista) - Wikipedia, la enciclopedia libre

Gertler, Mark, 1891–1939 | Arte Reino Unido

A pesar de que en su vida disfrutó de éxitos y de cierto reconocimiento, las penalidades, entre desamores y enfermedades no es que le faltasen, precisamente. Contagiado de tuberculosis (una dolencia que todavía hacia verdaderos estragos en esos años) tuvo que pasar temporadas recluido en sanatorios. Eso le afectó mucho anímicamente y se notó en su capacidad de pintar.

Mark Gertler 1891-1939 | Tate

Su obra, que hasta ese momento fue muy valorada por su uso atrevido de la forma y el color, empezó a quedar algo desfasada ante el abrumador empuje del cubismo, el arte abstracto y el surrealismo. Ya se sabe, quedarse atrás en la vorágine de las vanguardias equivale a morir artísticamente hablando: hay que avanzar y progresar sin límite (aunque eso implique en ocasiones saltar a un abismo). 

A finales de los años treinta empezó a sentirse marginado y desconectado y su salud mental se deterioró mucho, hasta el extremo que finalmente, en 1939, abriendo el gas de su estudio, se suicidó.

En su época Mark Gertler fue un artista reconocido. 

Se le respetaba por su talento técnico y su visión.

Su uso audaz del color y de la forma lo diferenciaba de lo que en aquel momento se estaba haciendo en Inglaterra. Sus retratos tenían una carga psicológica que fascinaba al público y a la crítica. Sin embargo, tal y como he mencionado antes, la potencia innovadora -abrumadora- de las nuevas tendencias artísticas fue relegándole al olvido.

En la actualidad, contextualizado y con perspectiva histórica, su figura ha sido revalorizada. Se le valora como una figura puente entre la tradición figurativa británica y las vanguardias del siglo XX.

Dónde ver la obra de Mark Gertler

·       Tate Britain, Londres: Es el lugar por excelencia. La Tate tiene una de las colecciones más grandes y representativas de la obra de Gertler, incluyendo su icónico Merry-Go-Round (El tiovivo), una obra maestra del modernismo británico.  Mark Gertler 1891-1939 | Tate

·       Fitzwilliam Museum, Cambridge: Este museo tiene varias de sus obras, incluyendo retratos y bodegones, que ofrecen una excelente visión de su evolución artística. El Museo Fitzwilliam - Bienvenidos al Museo

The Fitzwilliam Museum - Resultados de la búsqueda

·       The Courtauld Gallery, Londres: Si bien su colección de Gertler no es tan extensa, sí cuenta con algunas piezas clave. Además, es un lugar increíble para ver arte en general.

Visita la Galería Courtauld - The Courtauld

·       Ashmolean Museum, Oxford: También tiene una colección de su trabajo, especialmente dibujos y grabados.  Bienvenidos | Museo Ashmolean

GILBERT CANNAN Y SU MOLINO | Museo Ashmolean

Bristol Museum & Art Gallery: Este museo también alberga algunas de sus pinturas.

Museo y Galería de Arte de Bristol | Museos de Bristol

Se dice que el personaje de Loerke en la novela "Mujeres enamoradas" de D.H. Lawrence y el de Gombauld en "Crome Yellow" de Aldous Huxley están basados, al menos en parte, en la figura de Mark Gertler. Esto demuestra que su personalidad y su arte eran tan singulares que inspiraron a otros artistas de su época.

Todas las imágenes y/o vídeos que se muestran  corresponden al artista o artistas referenciados.

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 Javier Nebot