232. Albert Weisgerber (Alemania, 1878-1915).

Albert Weisgerber fue una de las voces pictóricas más singulares de la joven Escuela muniquesa de comienzos del siglo XX: un pintor que, sin romper bruscamente con las herencias impresionistas, llevó su pintura hacia una primera expresión moderna, muy marcada por el color suelto, por la potente vivacidad en las escenas de género y por el interés por la figura humana en contextos urbanos y campestres. 

Nacido en Sankt Ingbert el 21 de abril de 1878, su formación y su carrera se desarrollaron en la enérgica atmósfera artística de Múnich, ciudad que por entonces se esforzaba por disputar a París el liderazgo cultural, especialmente en pintura.

Weisgerber inició su aprendizaje como pintor decorador y estudió en la Kunstgewerbeschule de Múnich (Real Escuela de Artes y oficios) tras una etapa formativa en Kaiserslautern y en Frankfurt.

Real Escuela de Artes y Oficios de Múnich - Wikipedia, la enciclopedia libre

Entre 1897 y 1901 fue alumno de la Academia de Bellas Artes de Múnich, donde trabajó en el taller de Franz von Stuck, una figura decisiva en el ambiente académico y simbolista de la capital bávara. y a quien ya dedicamos anteriormente una entrada en este blog.

 Desde el Renacimiento hasta nuestros días: 10. Franz von Stuck (1863-1928).

Durante esos años entabló amistad con artistas que serían esenciales para la vanguardia alemana -Paul Klee, Wassily Kandinsky y Hans Purrmann entre otros- y colaboró como ilustrador para la influyente revista Jugend, que difundía las nuevas estéticas visuales en Alemania. Estas experiencias le dieron un sólido manejo de la figura y una sensibilidad hacia la renovación del color y la pincelada.

Descarga gratuita de Jugend, la mítica revista de Art Nouveau alemana - Cultura Inquieta

Biografía - Fundación Albert Weisgerber

La obra de nuestro pintor se caracteriza por una focalización insistente en escenas de género -cafés, cervecerías, paseos en el parque- pero, también, retratos y grupos que captan la vida social de la burguesía y la bohemia muniquesas. Su paleta, a menudo luminosa y con toques expresivos, y su pincelada decidida lo sitúan en un punto de cruce entre el impresionismo tardío y los impulsos expresionistas que luego tomarían mayor fuerza en Alemania. Pinturas como Im Biergarten (En la cervecería), In the Munich Hofgarten o sus retratos y autorretratos muestran su capacidad para arrestar el gesto y la atmósfera con brochazos que a la vez definen volumen y vibración cromática.

Aunque Weisgerber fue en muchas ocasiones por libre, no se trató de un "aislado": participó activamente en la vida del círculo artístico muniqués. 

Fundó en 1898 el grupo Sturmfackel con Alfred Kubin, trabajó con revistas de vanguardia y, ya en 1913, fue uno de los fundadores y primer presidente de la Münchener Neue Secession, asociación colectiva que reunió a artistas preocupados por renovar la escena pictórica lejos del academicismo tradicional. Su papel organizador y su sociabilidad lo convirtieron en un nodo importante entre generaciones y tendencias.

Desde el Renacimiento hasta nuestros días: 211. Alfred Kubin (1877-1959).

Albert Weisgerber - Wikipedia, la enciclopedia libre

Secesión de Múnich - Wikipedia, la enciclopedia libre

En la década de 1900–1910 se consolidó su estilo: escenas sociales a plena luz, composiciones abiertas y una economía de medios que alterna definiciones vigorosas con zonas de pincelada más suelta. Entre sus obras más reproducidas figuran escenas de tertulia y jardines públicos, cuadros de playa y composiciones donde el grupo humano se integra como elemento paisajístico y social. Su producción incluye también dibujos y grabados, y en el conjunto de su obra se aprecia una inclinación por captar la modernidad cotidiana sin los desgarros radicales que caracterizarán a las generaciones posteriores.

En 1907 se casó con Margarete (Grete) Pohl -pintora y miembro de una familia acomodada de Praga- y esa relación se reflejó tanto en sus ambientes como en una estabilidad que le permitió desarrollar su trabajo con intensidad durante los años anteriores a la guerra. Su biografía, aunque breve por la abrupta muerte del pintor, combinó la actividad creativa con el papel de organizador y docente informal dentro de los círculos artísticos muniqueses.

Detalles de la persona | Libro memorial digital

Como muchos pintores jóvenes y activos de su generación, Weisgerber se alistó en 1914 cuando estalló la Primera Guerra Mundial. Sirvió en el ejército bávaro; diversas fuentes indican que alcanzó el rango de oficial y que fue destinado al Frente Occidental. Murió en combate el 10 de mayo de 1915 en Fromelles (cerca de Lille/Armentières), una pérdida que truncó una trayectoria aún en pleno desarrollo. 

Su entierro y la posterior memoria pública de su figura han sido objeto de conmemoraciones locales y exposiciones que recuperaron su legado en la región del Sarre y en Múnich. Estas circunstancias bélicas explican en parte por qué su producción no evolucionó hacia las rupturas expresionistas más explícitas que se verían en artistas que sobrevivieron a la guerra.

Durante décadas posteriores a su muerte, Weisgerber fue valorado tanto por su calidad pictórica como por su rol en la vida cultural muniquesa; su obra ha sido objeto de exposiciones, catálogos y numerosas ventas en subasta que mantienen su presencia en el mercado del arte. Museos como el Lenbachhaus y colecciones regionales conservan piezas suyas y han contribuido a situarlo como un puente entre distintas tradiciones pictóricas alemanas de cambio de siglo. Investigaciones recientes han matizado su figura: ya no se le considera un mero seguidor del impresionismo, sino un pintor con voz propia que supo leer la modernidad desde una óptica figurativa y social.

Lenbachhaus - Wikipedia, la enciclopedia libre

Galería municipal en el Lenbachhaus | simply Munich

¿Por qué seguir interesado en Weisgerber hoy? 

Porque su obra ofrece una ventana serena y a la vez enérgica a la vida cotidiana previa a la Gran Guerra, combinando pericia técnica y empatía social. 

Sus escenas de cafés y parques, sus retratos y grupos revelan la textura de una modernidad urbana en la que coexistían cosmopolitismo, ocio y tensiones sociales. Para el historiador del arte, representa además un caso ilustrativo de cómo la modernidad pictórica circuló y se adaptó en centros como Múnich, antes de que estéticas más radicales transformaran la escena europea.

Para quien desee profundizar, recomiendo consultar primero las entradas biográficas de referencia y catálogos de museo: la ficha en la Web Gallery of Art, la entrada general y la bibliografía de Wikipedia (útil como punto de partida bibliográfico), la colección digital del Lenbachhaus (Múnich) y estudios locales sobre la Münchener Secession y la vida artística en Schwabing. Para análisis académicos más finos conviene acudir a tesis y trabajos universitarios que examinan la circulación de grupos como la Münchener Neue Secession y las redes personales de artistas del periodo.

Todas las imágenes y/o vídeos que se muestran  corresponden al artista o artistas referenciados.

Su exposición en este blog pretende ser un homenaje y una contribución a la difusión de obras dignas de reconocimiento cultural, sin ninguna merma a los derechos que correspondan a sus legítimos propietarios.

En ningún caso hay en este blog interés económico directo ni indirecto.

 Javier Nebot

231. Charles Alston Collins (1828-1873).

Charles Allston Collins nació en Londres en 1828, en el seno de una familia culta y acomodada, de firmes convicciones religiosas. Siendo muy pequeño empezó a mostrar una fuerte inclinación por el dibujo y la literatura. Recibió una sólida educación. Se combinó en ella la formación artística y humanística con un clima intelectual fuertemente marcado por el anglicanismo serio y reflexivo propio de ciertos sectores de la clase media ilustrada inglesa.

Su formación artística se desarrolló en la Royal Academy Schools. 

Allí entró en contacto con algunos de los jóvenes artistas que, en torno a 1848, estaban comenzando a cuestionar los valores académicos dominantes. Fue en este contexto donde trabó amistad con John Everett Millais, con quien trabó una estrecha amistad. 

Collins no fue miembro fundador de la Hermandad Prerrafaelita, pero sí una figura cercana desde sus inicios, compartiendo su programa de retorno a la verdad natural, la sinceridad moral y la pintura anterior a Rafael.

Desde el Renacimiento hasta nuestros días: 77. Los Prerrafaelitas (2): John Everett Millais.

Desde el Renacimiento hasta nuestros días: 76. Los prerrafaelitas (1): Una Hermandad muy imaginativa.

Ya en estos años se empezó a percibir un rasgo distintivo de su personalidad: frente al entusiasmo juvenil y la ambición pública de algunos de sus compañeros, Collins se mostraba introvertido, autocrítico y vulnerable a la duda.

Durante la década de 1850, Collins estuvo intensamente integrado en el entorno personal y familiar de Millais. En ese contexto se produjo un acercamiento sentimental serio a una de las hermanas de Millais, que en algunas fuentes aparece como un proyecto de compromiso matrimonial.

Conviene precisar el dato con claridad histórica:
el matrimonio no llegó a celebrarse. La relación no prosperó, y todo indica que fue ella quien rechazó finalmente a Collins, aunque no disponemos de testimonios directos que expliquen los motivos con detalle.

Este episodio, lejos de ser anecdótico, resulta bastante revelador. El carácter de Collins, ya de por sí melancólico, moralmente exigente y cada vez más inclinado a una vida de retirada, parece haber dificultado una relación estable dentro de un entorno social que exigía seguridad, proyección y energía vital. El fracaso de esta relación coincide cronológicamente con un periodo de creciente inseguridad artística y espiritual.

Berengaria’s Alarm for the Safety of Her Husband, Richard Coeur de Lion

La pintura más importante de Collins es Convent Thoughts, presentada en 1851 (ver la primera pintura de esta entrada). Representa a una joven novicia en un jardín conventual, absorta en la contemplación de una flor de pasionaria, símbolo directo de la Pasión de Cristo. La escena combina un naturalismo extremo con una iconografía religiosa rigurosamente construida. Formalmente, la obra encarna el ideal prerrafaelita temprano: color puro, nitidez casi obsesiva, ausencia de convencionalismos académicos. Temáticamente, revela el núcleo del universo de Collins: juventud, pureza, deseo contenido y clausura espiritual.

Con todo, la recepción fue ambigua. Aunque se reconoció su calidad técnica, algunos críticos la consideraron inquietante o excesivamente devota. Para Collins, de temperamento frágil, esta exposición pública —más que afianzarle— profundizó su conflicto interior: el arte comenzaba a aparecerle como un espacio de tensión moral más que de plenitud.

Tras Convent Thoughts, Collins realizó algunas obras más, entre ellas Berengaria’s Alarm for the Safety of Her Husband, Richard Coeur de Lion, de inspiración histórica y literaria. Sin embargo, su producción fue  cada vez más escasa y espaciada. Entra a mediados de los años cincuenta en una crisis muy profunda en la que se cuestiona sus dificultades personales para soportar la crítica y la implacabilidad del mercado, la legitimidad moral del arte y su creciente atracción por una vida interior espiritualizada.

De hecho, hacia finales de la década, Collins abandona de hecho la pintura como práctica profesional. No se trató realmente de un fracaso externo, sino de una renuncia voluntaria, motivada por la convicción de que el arte visual ya no era compatible con su ideal espiritual.

En 1857, Collins se convirtió al catolicismo romano, paso ciertamente coherente con su búsqueda de una estructura espiritual firme y autoritativa. Esta conversión marcó un punto de no retorno: su vida se reorientó hacia la escritura y la reflexión moral, abandonado casi en su totalidad la pintura.

Comenzó entonces una etapa como novelista y ensayista, con obras de inspiración religiosa y ética. Aunque su producción literaria no alcanzó gran difusión, mantiene una clara continuidad con su pintura: el mismo afán de claridad moral, el mismo rechazo de la ambigüedad estética.

 Se estableció como ensayista y humorista —su volumen The Eye-Witness (1860) recogió textos que mostraban su talento literario— y trabajó como ilustrador para publicaciones victorianas y, brevemente, en torno a la obra de su hermano (Wilkie Collins) y la familia Dickens. 

Wilkie Collins - Wikipedia

En 1860 se casó con Kate Dickens, hija de Charles Dickens, lo que le enlazó más directamente con el mundo editorial y literario de la época. Más adelante fue contratado para colaborar en el proyecto ilustrativo de The Mystery of Edwin Drood, pero la enfermedad se lo impidió: falleció de cáncer el 9 de abril de 1873, con 45 años, y fue enterrado en Brompton Cemetery.  

&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Todas las imágenes y/o vídeos que se muestran  corresponden al artista o artistas referenciados.

Su exposición en este blog pretende ser un homenaje y una contribución a la difusión de obras dignas de reconocimiento cultural, sin ninguna merma a los derechos que correspondan a sus legítimos propietarios.

En ningún caso hay en este blog interés económico directo ni indirecto.

 Javier Nebot

230. Estudio sobre 1870-1920. Esquema y pretensiones.

Estudio sobre 1870–1920

Esquema estructural y declaración de principios

En todos mis blogs he ido publicando entradas que reflejan mi profundo interés por la cultura y el arte del siglo XIX. 

Con este texto quisiera formular un marco de trabajo consciente y explícito que me sirva de guía para mis indagaciones futuras, centrando mis intereses socio-culturales en el medio siglo que transcurre entre 1870 y 1920, y acotando el terreno geográfica y culturalmente, fundamentalmente, a Europa, desde la Guerra Franco-Prusiana hasta el final de la Primera Guerra Mundial.

A medida que profundizo en este periodo, me resulta cada vez más evidente que se trata de una época extraordinariamente compleja y decisiva, repleta de transformaciones profundas en ámbitos de lo más diversos. Muchas de ellas marcaron de forma irreversible, sin duda, el curso de la historia contemporánea y siguen proyectándose, de manera directa o indirecta, sobre nuestro presente.

Soy muy consciente de la amplitud y dificultad de una empresa así, por lo que mi propósito no es tanto construir un relato total ni exhaustivo, como ofrecer aproximaciones significativas a algunos aspectos relevantes -a veces especialmente relevantes para mí- de ese periodo: sus principales líneas culturales y artísticas, las mentalidades que las sustentaron y aquellos personajes que destacaron en distintos ámbitos, aunque no siempre hayan recibido el reconocimiento que, por sus méritos, merecerían.

Este proyecto se concibe deliberadamente como un trabajo de largo aliento; un trabajo que deseo afrontar con calma y sosiego, tanto como ejercicio de comprensión cultural profunda como forma de nutrir de contenidos coherentes y conectados a mis distintos espacios de escritura, en particular los blogs Desde el Renacimiento hasta nuestros días y Ocio inteligente para vivir mejor. 

Desde luego, no aspiro a una neutralidad ilusoria (¡ya me gustaría!) ni tampoco quiero hacer una acumulación indiscriminada de datos que, al final, acaban olvidándose. Me gustaría, en mis humildes límites, mirar esa época de forma reflexiva y crítica.

---

1. Enfoque general y método

Mi intención, como acabo de mencionar, no es realizar un simple recorrido histórico lineal -aunque el contexto histórico sea a menudo imprescindible-. Para eso existen excelentes manuales y valiosas síntesis académicas además de la omni presente Wikipedia. Mi objetivo es, más bien, construir una especie de mapa cultural de larga duración, guiado, en lo posible, por una serie de principios claros:

• Transversalidad y comparación. Procuraré que el enfoque sea comparativo y no nacionalista, evitando en lo posible lecturas ideológicamente sesgadas o exclusivamente cronológicas. Me interesa mucho situar fenómenos, obras y figuras dentro de sistemas de relaciones y tensiones más amplios.

• Interdisciplinariedad consciente. Intentando profundizar en mis intereses particulares, el análisis abarcará distintos ámbitos de la cultura: pintura, música, literatura, pensamiento, espiritualidad, política cultural y, también, dimensiones más íntimas como puedan ser la sexualidad o la vivencia del cuerpo. Estos campos me gustaría estudiarlos tanto de forma sectorial como en sus múltiples interrelaciones.

• Observación de las mentalidades. Me interesan profundamente las obras, pero tanto o más las mentalidades, imaginarios y estructuras de sensibilidad que las hacen posibles. Abordaré el arte como síntoma, respuesta y a veces refugio ante las tensiones de su tiempo.

• Atención a las zonas liminares. Existe en este proyecto personal una atracción deliberada por los espacios de ambigüedad: la decadencia, las espiritualidades heterodoxas, las figuras marginales o moralmente complejas, los lenguajes simbolistas y esotéricos que revelan la profundidad —y a menudo la fragilidad— del alma moderna.

• Continuidad frente a ruptura. Frente al énfasis habitual en la vanguardia y la ruptura, prestaré especial atención a las persistencias históricas, a las fidelidades estéticas, espirituales o éticas que atraviesan el periodo y que suelen quedar oscurecidas por los relatos dominantes del progreso artístico.

• Rechazo de una visión simplista del “progreso moderno”. La historia rara vez es lineal, unidireccional o teleológica. Me interesa mucho más explorar las crisis, las transiciones y las contradicciones que las narrativas deterministas. Las zonas ambiguas, oscuras o incómodas suelen ser, precisamente, las más reveladoras.

• Posicionamiento reflexivo. Soy plenamente consciente de que toda mirada está, siempre, situada. Pero precisamente por ello, no pretendo juzgar el pasado desde categorías morales contemporáneas aplicadas de forma mecánica. Evidentemente, ese intento de empatía  transgeneracional no supone suspender todo juicio crítico cuando los materiales lo exigen o cuando necesite realizar un trasvase de reflexión personal a la realidad actual. El análisis buscará comprensión antes que condena o justificación.

---

2. Marco estructural y ejes transversales

Dentro del arco cronológico elegido (1870–1920), articularé mis indagaciones en torno a una serie de ejes transversales, entendidos no como compartimentos estancos, sino como campos de tensión interrelacionados. Entre ellos, y sin ánimo exhaustivo:

• La crisis del positivismo y sus consecuencias culturales, filosóficas y espirituales.

• El impacto ambivalente de la industrialización extrema, con sus mejoras materiales y sus devastaciones humanas, sociales y coloniales.

• La espiritualidad alternativa y el misticismo heterodoxo: simbolismo, esoterismo, teosofía, antroposofía, diálogos interreligiosos y recuperaciones de tradiciones olvidadas.

• La vivencia del cuerpo, el erotismo y el deseo: mecanismos de represión, reacciones contra ellos, patologías, idealizaciones, construcción de cánones de belleza y mitologías corporales.

• La ciudad moderna como espacio transformado y transformador: urbanización, nuevas costumbres, anonimato, espectáculo y control social.

• La tensión entre arte y técnica, entre artesanía y reproducción, original y réplica.

• Guerra y trauma: del conflicto franco-prusiano a la Primera Guerra Mundial, con sus consecuencias psicológicas, culturales y simbólicas.

• La transformación de la imagen y el papel de la mujer, entre ruptura de cánones, resignificación de roles y nuevas posibilidades vitales (además de entregadas sumisiones a roles convencionales de la época).

• La búsqueda del arte total, desde Wagner y sus antecedentes hasta sus múltiples derivaciones, como aspiración a una experiencia estética absoluta.

• La vivencia del tiempo, la memoria y la pérdida, tan característica del fin de siglo: nostalgia, decadencia, duelo y anticipación del desastre.

• La responsabilidad ética del creador en tiempos de crisis: compromiso, evasión, elitismo, propaganda o retirada estética.

Cualquier figura o movimiento será analizado, en la medida de lo posible, dentro de este sistema de tensiones, y no como un caso aislado.

---

3. Artes visuales

En el ámbito de las artes visuales:

• Profundizaré especialmente en el simbolismo y el decadentismo, sin excluir otras corrientes relevantes del periodo.

• El foco estará en distintos países europeos, con atención prioritaria a Francia, Gran Bretaña y Alemania, dada su centralidad cultural en la época.

• Buscaré tanto figuras atípicas o marginales como otras que permanecieron fieles a continuidades clásicas.

• Prestaré especial atención a la iconografía, el erotismo, la espiritualidad y la política del cuerpo como formas privilegiadas de representación.

• Intentaré integrar de forma crítica aquellos aspectos hoy considerados problemáticos —antisemitismo, elitismo espiritual, proto-fascismo— sin anacronismos ni simplificaciones.

---

4. Música

En el ámbito musical:

• Continuaré explorando líneas de continuidad clásica y espiritual, atendiendo a compositores que resistieron la ruptura radical del fin de siglo y que hoy suelen quedar relegados por no encajar en relatos de vanguardia.

• La música será considerada no solo como lenguaje estético, sino como espacio de consuelo, resistencia espiritual, continuidad ética y afirmación de sentido en un mundo en transformación.

• Todo ello sin descuidar, naturalmente, a las grandes figuras consagradas del periodo.

---

5. Otros ámbitos de interés

De manera complementaria, este proyecto abordará cuestiones como:

• Las radicalizaciones ideológicas y sociales.
• Las estéticas de la disciplina y las masculinidades posbélicas.
• La irrupción del deporte como entretenimiento de masas.
• La ciudad como dispositivo ideológico.
• El cine incipiente como generador de mitologías sociales y propaganda temprana.
• El cartelismo, las revistas culturales y la cultura impresa.
• La fotografía y su impacto en la percepción artística.
• El socialismo cultural, el liberalismo tardío y los nacionalismos culturales.
• El antisemitismo como estructura cultural.
• El fascismo entendido también como fenómeno estético.

&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Como he señalado desde el inicio, se trata de un proyecto necesariamente abierto. Será revisado, corregido y ampliado a medida que se materialice, pues cada hilo del que se tira revela nuevos caminos dignos de exploración. Este estudio no pretende cerrar interpretaciones, sino abrirlas; no fijar conclusiones definitivas, sino construir un marco flexible que permita comprender mejor la complejidad, las ambigüedades y las contradicciones de la modernidad europea entre 1870 y 1920.

&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&

Todas las imágenes y/o vídeos que se muestran  corresponden al artista o artistas referenciados.

Su exposición en este blog pretende ser un homenaje y una contribución a la difusión de obras dignas de reconocimiento cultural, sin ninguna merma a los derechos que correspondan a sus legítimos propietarios.

En ningún caso hay en este blog interés económico directo ni indirecto.

 Javier Nebot