191. Antonin Hudecek (1872-1941).

Antonín Hudeček (1872-1941) fue un destacado pintor checo, considerado uno de los principales representantes de la pintura paisajística en la República Checa. 

Su obra y estilo estuvieron influenciados por el impresionismo y el realismo, destacándose por su enfoque en la representación de la naturaleza y los paisajes rurales de su país. 

Antonín Hudeček – Wikipedie (wikipedia.org)

http://www.artnet.com/artists/antonin-hudecek/

Hudeček nació el 14 de marzo de 1872 en Loucká, Bohemia (actualmente parte de la República Checa). Su formación artística comenzó en Praga en la Academia de Bellas Artes, donde estudió bajo la tutela de importantes maestros, como Maximilián Pirner y Vojtěch Hynais, ambos destacados en el realismo y el academicismo. Posteriormente, viajó a Múnich para perfeccionar sus habilidades, una experiencia que fue crucial en el desarrollo de su estilo personal.

Maximilian Pirner - Wikipedia, la enciclopedia libre

Vojtěch Hynais - Wikipedia, la enciclopedia libre

A lo largo de su carrera, Hudeček se centró en el paisajismo, destacándose por su capacidad para capturar los efectos de la luz y el color en la naturaleza. A partir de la década de 1890, comenzó a desarrollar una estrecha relación con la región de Slovensko, cuyas colinas y campos rurales se convirtieron en el principal motivo de su obra. 

 Uno de sus temas recurrentes fue la representación del campo checo, a menudo bañado por la luz del atardecer o envuelto en niebla matutina, lo que reflejaba su interés por los cambios atmosféricos y lumínicos. Su estilo evolucionó hacia una mayor libertad de pincelada y un uso más vibrante del color, acercándose al impresionismo, aunque siempre mantuvo un enfoque realista en cuanto a la representación de la naturaleza.

Entre sus obras más conocidas se encuentran "Podzimní motiv" (Motivo de otoño) y "Večer nad Okoří" (Anochecer sobre Okoř), que ilustran perfectamente su habilidad para capturar la atmósfera y el espíritu del paisaje checo. 

Estos cuadros muestran una combinación de realismo detallado en los elementos naturales y una interpretación más impresionista de la luz y el color. A lo largo de su carrera, Hudeček recibió varios premios y honores, y su trabajo fue exhibido tanto en la República Checa como internacionalmente. 

Antonín Hudeček (1872-1941) | Plein Air painter | Tutt'Art@ | Pittura * Scultura * Poesia * Musica (tuttartpitturasculturapoesiamusica.com)

Aunque su obra fue influenciada por corrientes como el impresionismo, Hudeček mantuvo una conexión profunda con las tradiciones artísticas checas. Fue contemporáneo de otros pintores paisajistas importantes como Antonín Slavíček y participó en diversas exposiciones con el grupo de artistas Mánes, un colectivo que fue clave en la renovación del arte checo en el cambio de siglo.

Antonín Slavíček, el referente del impresionismo que perdió la vida el día que ya no pudo pintar | Radio Prague International

 Antonín Hudeček falleció en Praga el 11 de agosto de 1941. 

Su legado permanece vivo en el arte checo, siendo recordado como uno de los máximos exponentes del paisajismo de su país.

Antonín Hudeček (1872-1941) - A Video Without Transitions (youtube.com)

Antonín Hudeček (1872-1941) (youtube.com)

Hudeček, Antonín - Collections - Muzeum umění Olomouc (muo.cz)

Antonín Hudeček « Autores « Subasta Galería Platýz (galerieplatyz.cz)

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Su exposición en este blog pretende ser un homenaje y una contribución a la difusión de obras dignas de reconocimiento cultural, sin ninguna merma a los derechos que correspondan a sus legítimos propietarios.

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 Javier Nebot

190. Simbolismo. Índice.

 Pintores Simbolistas.

Antecedentes literarios.

"El simbolismo fue uno de los movimientos literarios más importantes de finales del siglo XIX, originado en Francia y en Bélgica. En un manifiesto literario publicado en 1886, Jean Moréas definió este nuevo estilo como «enemigo de la enseñanza, la declamación, la falsa sensibilidad y la descripción objetiva"». Para los simbolistas, el mundo es un misterio por descifrar, y el poeta debe para ello trazar las correspondencias ocultas que unen los objetos sensibles (por ejemplo, Rimbaud establece una correspondencia entre las vocales y los colores en su soneto Vocales). Para ello es esencial el uso de la sinestesia.

El movimiento tiene sus orígenes en Las flores del mal, libro emblema de Charles Baudelaire. El escritor Edgar Allan Poe, a quien Baudelaire apreciaba en gran medida, influyó también decisivamente en el movimiento, proporcionándole la mayoría de imágenes y figuras literarias que utilizaría. La estética del simbolismo fue desarrollada por Stéphane Mallarmé y Paul Verlaine en la década de 1870. Para 1880, el movimiento había atraído toda una generación de jóvenes escritores cansados de los movimientos realistas.

El simbolismo fue en sus comienzos una reacción literaria contra el naturalismo y el realismo, movimientos anti-idealistas que exaltaban la realidad cotidiana y la ubicaban por encima del ideal. Estos movimientos provocaron un fuerte rechazo en la juventud parisina, llevándolos a exaltar la espiritualidad, la imaginación y los sueños. El primer escritor en reaccionar fue el poeta francés Charles Baudelaire, hoy considerado padre de la lírica moderna y punto de partida de movimientos como el Parnasianismo, el Decadentismo, el modernismo y el simbolismo. Sus obras, entre las que destacan Las flores del mal, Los pequeños poemas en prosa y Los paraísos artificiales, fueron tan renovadoras que algunas de ellas fueron prohibidas por considerarse oscuras e inmorales, al retratar sin tapujos el uso de drogas, la sexualidad y el satanismo. El primer movimiento descendiente de esta ideología postromántica sería el parnasianismo.

Los simbolistas fueron separándose del parnasianismo porque no compartían la devoción de este por el verso perfecto. El Simbolismo se inclinaba más bien hacia el hermetismo, desarrollando un modelo de versificación más libre y desdeñando la claridad y objetividad del parnasianismo. No obstante, varias características parnasianas fueron acogidas, como su gusto por los juegos de palabras, la musicalidad en los versos y, más que nada, el lema de Théophile Gautier del arte por el arte. Los movimientos quedaron completamente separados cuando Arthur Rimbaud y otros poetas se mofaron del estilo perfeccionista parnasiano, publicando varias parodias sobre el modo de escribir de sus más prominentes figuras.

Otros dos precursores del simbolismo fueron los franceses Arthur Rimbaud y Paul Verlaine. Estos dos poetas, que para esa época tenían una azarosa relación amorosa, fueron decisivos para el arranque del movimiento. Rimbaud, que contaba con 17 años, fue el más influyente, al buscar lo que llamó su alquimia del verbo en la cual trataba de convertirse en vidente por medio del desarreglo de todos los sentidos. Con este pretexto pasó a sumirse, junto a Verlaine, en toda una ola de excesos. Vagabundeaba día y noche por las calles de París para luego presentarse en las reuniones literarias con la ropa sucia o en estado etílico, hechos que rápidamente le dieron mala fama y el sobrenombre de enfant terrible. Sus obras más representativas fueron Una temporada en el infierno e Iluminaciones."

Esta es una parte del artículo de Wikipedia utilizado bajo la licencia CC-BY-SA. El texto completo del artículo está aquí →

Wikipedia: https://es.wikipedia.org/wiki/Simbolismo 

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La pintura simbolista fue una de las principales manifestaciones artísticas del simbolismo, un movimiento cultural surgido a finales del siglo XIX en Francia y que se desarrolló por diversos países europeos. El inicio de esta corriente se dio en poesía, especialmente gracias al impacto de Las flores del mal de Charles Baudelaire (1868), que influyó poderosamente en una generación de jóvenes poetas entre los que destacan Paul Verlaine, Stéphane Mallarmé y Arthur Rimbaud. El término «simbolismo» fue acuñado por Jean Moréas en un manifiesto literario publicado en Le Figaro en 1886. Las premisas estéticas del simbolismo pasaron de la poesía a otras artes, especialmente la pintura, la escultura, la música y el teatro. La cronología de este estilo es difícil de establecer: el punto álgido se encuentra entre 1885 y 1905, pero ya desde los años 1860 había obras que apuntaban al simbolismo, mientras que su culminación puede establecerse en el inicio de la Primera Guerra Mundial.

En pintura, el simbolismo fue un estilo de corte fantástico y onírico que surgió como reacción al naturalismo de la corriente realista e impresionista, frente a cuya objetividad y descripción detallada de la realidad opusieron la subjetividad y la plasmación de lo oculto y lo irracional; frente a la representación, la evocación o la sugerencia. Así como en poesía el ritmo de las palabras servía para expresar un significado trascendente, en pintura se buscó la forma de que el color y la línea expresasen ideas. En este movimiento, todas las artes estaban relacionadas y así a menudo se comparaba la pintura de Redon con la poesía de Baudelaire o la música de Debussy.​

Este estilo puso un especial énfasis en el mundo de los sueños y el misticismo, así como en diversos aspectos de la contracultura y la marginalidad, como el esoterismo, el satanismo, el terror, la muerte, el pecado, el sexo y la perversión —es sintomático en este sentido la fascinación de estos artistas por la figura de la femme fatale—. 

Todo ello se manifestó en consonancia con el decadentismo, una corriente cultural finisecular que incidía en los aspectos más existenciales de la vida y en el pesimismo como actitud vital, así como la evasión y la exaltación del inconsciente. Otra corriente ligada al simbolismo fue el esteticismo, una reacción al utilitarismo imperante en la época y a la fealdad y materialismo de la era industrial. Frente a ello, se otorgó al arte y a la belleza una autonomía propia, sintetizada en la fórmula de Théophile Gautier «el arte por el arte» (L'art pour l'art). Algunos artistas simbolistas también estuvieron vinculados a la teosofía y a organizaciones esotéricas como los Rosacruz.​ Cabe señalar que estilísticamente hubo una gran diversidad dentro de la pintura simbolista, como se denota comparando el exotismo suntuoso de Gustave Moreau con la serenidad melancólica de Pierre Puvis de Chavannes.

El simbolismo pictórico estuvo relacionado con otros movimientos anteriores y posteriores: se suele considerar al prerrafaelismo como un antecedente de este movimiento, al tiempo que ya comenzado el siglo XX entroncó con el expresionismo, especialmente gracias a figuras como Edvard Munch y James Ensor. 

Por otro lado, se consideran simbolistas o directamente relacionadas con el simbolismo algunas escuelas o asociaciones artísticas como la Escuela de Pont-Aven o el grupo de los Nabis.​ 

También fueron herederos en cierta medida del neoimpresionismo, cuya técnica puntillista fue la primera en romper con el naturalismo impresionista. Por otro lado, el postimpresionista Paul Gauguin ejerció un poderoso influjo en los inicios del simbolismo, gracias a su vinculación con la Escuela de Pont-Aven y el cloisonismo.​ Esta corriente estuvo vinculada también al modernismo, conocido como art nouveau en Francia, Modern Style en Reino Unido, Jugendstil en Alemania, Sezession en Austria o Liberty en Italia.

​Pintura simbolista - Wikipedia, la enciclopedia libre

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-1). Post del 9 de junio del 2014. Odilon Redon.

Desde el Renacimiento hasta nuestros días: 1. Odilon Redon (Burdeos,1840- París, 1916). (desdeelrenacimientohastanuestrosdias.blogspot.com)

-2). Post del 10 de junio del 2014.

Jean Delville.

Desde el Renacimiento hasta nuestros días: 4. Jean Delville (1867-1953). (desdeelrenacimientohastanuestrosdias.blogspot.com)

-3). Post del 10 de junio del 2014.

Odilon Redon (2).

Desde el Renacimiento hasta nuestros días: 5.ODILON REDON (1840-1916) Pintor simbolista. (Vídeo). (desdeelrenacimientohastanuestrosdias.blogspot.com)

-4). Post del 27 de junio del 2014.

Arnold Böcklin.

Desde el Renacimiento hasta nuestros días: 8. Arnold Böcklin (Suiza, 1827-1901). (desdeelrenacimientohastanuestrosdias.blogspot.com)

-5). Post del 1 de julio del 2014.

Franck von Stuck.

Desde el Renacimiento hasta nuestros días: 10. Franz von Stuck (1863-1928). (desdeelrenacimientohastanuestrosdias.blogspot.com)

-6). Post del 13 de septiembre del 2014.

Otto Greiner.

Desde el Renacimiento hasta nuestros días: 16. Otto Greiner (Leitpzig 1869- Munich 1916). (desdeelrenacimientohastanuestrosdias.blogspot.com)

-7). Post del 15 de diciembre del 2015.

Gaston Bussiere.

Desde el Renacimiento hasta nuestros días: 56. Gaston Bussiere (Francia; 1862-1929). (desdeelrenacimientohastanuestrosdias.blogspot.com)

-8). Post del 15 de septiembre del 2019.

Louis Welden Hawkins.

Desde el Renacimiento hasta nuestros días: 124. Louis Welden Hawkins (1849-1910). (desdeelrenacimientohastanuestrosdias.blogspot.com)

-9). Post del 20 de septiembre del 2019.

Max Klinger.

Desde el Renacimiento hasta nuestros días: 125. Max Klinger (1857-1920). (desdeelrenacimientohastanuestrosdias.blogspot.com)

10). Post del 24 de marzo del 2020.

Ferdinand Hodler.

Desde el Renacimiento hasta nuestros días: 133. Ferdinand Hodler (Suiza, 1853-1918). (desdeelrenacimientohastanuestrosdias.blogspot.com)

11). Post del 15 de enero del 2025.

Sascha Schneider.

Desde el Renacimiento hasta nuestros días: Sascha Schneider (1870-1927).

-se actualizará-

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 Javier Nebot

189. Herman Moest (Alemania, 1968-1945).

Hermann Moest (1868–1945) fue un pintor y escultor alemán que se destacó principalmente en el ámbito del arte religioso, aunque también incursionó en la pintura de retratos y paisajes. 

A pesar de que no alcanzó la fama internacional de otros contemporáneos suyos, su obra fue muy apreciada dentro de ciertos círculos académicos y religiosos en Alemania durante su tiempo.

Hermann Moest – Wikipedia

Moest nació en Friburgo, Alemania, el 2 de abril de 1868. 

Su interés por el arte surgió, como en la inmensa mayoría de los pintores vocacionales, a una edad temprana, lo que lo llevó a inscribirse en academias de arte reconocidas para perfeccionar sus habilidades. 

Estudió en la Academia de Arte de Karlsruhe, una institución de gran prestigio en el sur de Alemania, que atrajo a muchos artistas prometedores de la época. 

Staatliche Akademie der Bildenden Künste Karlsruhe - Staatliche Akademie der Künste Karlsruhe (kunstakademie-karlsruhe.de)

Galería Nacional de Arte de Karlsruhe - Wikipedia, la enciclopedia libre

Allí, fue alumno de varios maestros renombrados, lo que influyó en su enfoque detallado y técnico de la pintura. A lo largo de su carrera, Moest se vio influenciado por el realismo alemán del siglo XIX, que buscaba representar la realidad con precisión, pero también con una calidad emocional profunda. También se le asoció con el movimiento Naturalista, que defendía la representación fiel de la naturaleza y la realidad cotidiana, en contraste con los excesos románticos y estilizados de movimientos anteriores.

Moest-Portrait-Sängerin - Berlinische Galerie

Hermann Moest se especializó principalmente en temática religiosa. 

Sus obras incluyen representaciones de santos, vírgenes, y escenas bíblicas, que fueron utilizadas en iglesias, capillas, y otras instituciones religiosas. El arte religioso de Moest se caracterizaba por un enfoque solemne, austero, y a menudo melancólico. Aunque no rompía con la tradición, introdujo un sentido de realismo psicológico en sus personajes, lo que les daba una profundidad emocional palpable. Sus retratos de Cristo y la Virgen María eran particularmente conmovedores, mostrando no solo su habilidad técnica, sino también su capacidad para transmitir la espiritualidad y el dolor humano en sus obras. 

 Además de su arte religioso, Moest pintó varios retratos de figuras prominentes en Alemania, figuras de la mitología, así como algunos paisajes que reflejaban su apego a la naturaleza, en especial a las escenas rurales de la Selva Negra, una región cercana a su lugar de nacimiento. Sus paisajes no solo capturaban la serenidad de la naturaleza, sino que también transmitían una atmósfera de quietud y contemplación.

Aunque su obra fue apreciada principalmente a nivel local y regional, Moest logró obtener varios encargos importantes para iglesias y catedrales en Alemania. Sin embargo, su estilo tradicional y apegado a los valores religiosos y académicos no logró encajar con los movimientos más vanguardistas de principios del siglo XX, como el Expresionismo o el Cubismo, que se convirtieron en las fuerzas dominantes en el arte europeo de la época.

El auge del modernismo afectó la carrera de Moest, ya que muchos artistas de su generación que se mantuvieron fieles al estilo tradicional fueron marginados en favor de nuevas formas de expresión artística. 

A pesar de esto, continuó pintando y recibiendo encargos privados, especialmente de iglesias y coleccionistas que aún valoraban su estilo. 

 Hermann Moest falleció en 1945, en plena Segunda Guerra Mundial, lo que también afectó la difusión de su obra. La guerra no solo destruyó muchas de sus creaciones, sino que también enterró gran parte del legado artístico de artistas como él, cuyos trabajos no se alineaban con las tendencias dominantes de su época.

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