Introduccción: Un movimiento “nuevo”, El Modernismo (1890-1914 aprox.)
El Modernismo fue un movimiento artístico que se desarrolló a finales del siglo XIX y el primer cuarto del siglo XX. La Primera Guerra Mundial y el enorme impacto social e ideológico que generó tal catástrofe, impulsaron otras corrientes artísticas mucho más rupturistas en el mundo del Arte y relegaron -casi hasta el olvido- el decorativismo estético de este movimiento.
Un movimiento que se caracterizó, entre otras cosas, por defender un cierto retorno a la naturaleza como fuente de inspiración y por reivindicar una belleza visible en todos los ámbitos de la vida. Fue un esfuerzo creativo por contrarrestar las consecuencias de un industrialismo todopoderoso -que produjo verdaderos monstruos-, pero incorporando algunos elementos de éste que sí se consideraban artísticamente positivos como podían ser el hierro fundido y el cristal.
Esta nueva tendencia artística tuvo seguidores fuera de Europa (de hecho se generó en los Estados Unidos), aunque podemos considerarla una expresión fundamentalmente europea con representantes en casi todos los países del continente. Curiosamente, no se denominó de la misma forma en cada uno de ellos. Así podemos señalar que esta corriente “fin de siglo” fue llamada “Art Nouveau” en Francia y Bélgica, “Sezession” en Austria,”Jugendstil” en Alemania y los países nórdicos, y “Modern style” en los países anglosajones (1).
Modernismo (arte) - Wikipedia, la enciclopedia libre
El Modernismo/Art Nouveau pretendió una ruptura (con matices, desde luego) con las diferentes tendencias artísticas de su época ( de ahí lo de arte “nuevo”): rechazó el academicismo, incluido el historicista -tan en boga y valorado por muchos coetáneos- y, también, los movimientos rupturistas como el realismo o el impresionismo.
Probablemente, quien le dio un mayor soporte intelectual a la nueva tendencia fue John Ruskin (1819-1900), reconocido intelectual y teórico del Arte (2).
Divulgador y prolífico escritor, sus ideas fueron determinantes en el movimiento Arts and Crafts (3) -que de alguna manera puede considerarse como el introductor de las tendencias modernistas en Inglaterra- e influyeron en múltiples artistas de la época que lo consideraron como el abanderado de las nuevas tendencias estéticas, especialmente William Morris, Burne-Jones y el resto de los prerrafaelitas (4).
.jpg "Retrato de William Morris, a la edad de 53")
El modernismo encontró su expresión natural en multitud de formas artísticas, aunque quizás las más populares, hoy en día, sean aquellas obras que han hecho de la arquitectura y la pintura los principales estandartes; pero, desde luego, sería injusto olvidar el peso de esta tendencia en la escultura y en las llamadas artes decorativas (esenciales de forma autónoma, pero también por su clara aportación a la ornamentación arquitectónica). En Inglaterra, como ya he mencionado un poco más arriba, las ideas de Ruskin tuvieron especial eco a través del movimiento Arts & Crafts para cuyos seguidores la belleza se convirtió en algo prioritario a todos los niveles, trascendiendo incluso los parámetros considerados artísticos y pretendiendo influir también en los productos que nacían del industrialismo (que hasta el momento se consideraban exentos de cualquier validez artística, más, si cabe, si tenemos en cuenta que se le responsabilizaba de la desaparición de muchas artesanías y como la causa directa de muchos “feísmos”).
Dentro de estas tendencias de recuperación artesana hay que señalar a Arthur Heygate Mackmurdo (1851-1942) (5), discípulo de Ruskin, que fue uno de los fundadores de la “Century Guild” (una organización de artes y oficios, que reivindicaba también el innegable valor de los mismos) y que, junto con otros artistas, apostó por la franca utilización en todos los aspectos del arte de técnicas artesanas haciendo posible llevar el arte a objetos propios de la vida cotidiana y no sólo a museos o galerías.
El modernismo consiguió un extraordinario desarrollo en países como Bélgica o Francia.
En el primero destacaron figuras como Víctor Horta (1861-1947) (6) o Henry van de Velde (1863-1957) que aportaron ciertas variaciones, especialmente en arquitectura, en donde se mostraron menos adictos a las líneas curvas que otros coetáneos suyos y en el segundo sobresalieron personajes como Héctor Guimard (1867-1942) (7) (cuyas entradas al metro, por poner sólo un ejemplo, todavía seguimos fotografiando hoy todos los que vamos a París a empaparnos de “belle époque”) y multitud de pintores que aunque, desde mi punto de vista, pertenecieron a muy diferentes movimientos artísticos, algunos teóricos consideran insertos dentro de las pautas modernistas.
Podemos referenciar entre ellos a: Henri de Toulouse-Lautrec (8), Paul Serusier, Emile Bernard, Georges de Feure, Pierre Puvis de Chavannes (9), Gustave Moreau (10), Félix Vallotton, Víctor Prouvé -también dibujante y escultor-, y el escultor Arístides Maillol.
-continuará-
(1). Aunque es cierto que en el Modernismo hay una serie de características y principios que lo hacen claramente reconocible también lo es que en cada país su desarrollo se expresó con formas distintivas propias lo que explica las obvias diferencias y los posibles confusionismos que pueden producirse a la hora de atribuir determinadas obras a este estilo. Alice Jurow (“Art Nouveau”. Madrid, Edimat 2007) señala: “La producción masiva de bienes de consumo para una creciente clase media empezó a inicios del siglo XIX; engendró un tipo de objetos decorativos llenos de incrustaciones que los diseñadores progresistas del movimientos Artes y Oficios (Arts & Crafts) y del Art Nouveau consideraron una atrocidad. Pero el Art Nouveau que surgió en la era del telégrafo, las publicaciones ilustradas y las revistas de arte de alta calidad, fue el primer estilo que se benefició de los medios de comunicación masivos y de la publicidad. Esto le proporcionó una trayectoria hoy en día familiar: la adopción temprana por una vanguardia intelectual, la apropiación rápida de la élite rica, el paso a la popularidad y al público mayoritario y su degeneración hasta convertirse en una versión diluida y de peor calidad para el público del último escalón del mercado para, así, dejar de estar de moda cuando la siguiente “novedad” apareció” (p.10).
(2). John Ruskin es sin duda una figura especialmente relevante ya no sólo como propiciador de tendencias sino como teórico, crítico del arte y promotor de su enseñanza. Reaccionó contra el materialismo de la era victoriana (especialmente en su obra “Hasta esto último”) y asoció las argumentaciones morales y las iniciativas prácticas con la reflexión sobre el arte. Desarrolló la teoría de que existe una relación entre arte y naturaleza y esto se convirtió en un concepto intrínseco al movimiento del Art Nouveau y al desarrollo de la hermandad de los Prerrafaelitas de Dante Gabriel Rossetti. Admirador de la arquitectura gótica fue firme partidario del movimiento prerrafaelita y de la recuperación de las obras de artesanía que el pujante industrialismo amenazaba (En “La copa del olivo” denunció las funestas tendencias de la época industrial). Magnánimo, gastó una inmensa fortuna en instituciones y obras de alcance social y científico. No he logrado consultar ninguno de su libros en castellano (“Pintores modernos”, “Las siete lámparas de la arquitectura”, “Las piedras de Venecia” etc.) aunque el reconocimiento a su obra y a su labor está presente en las constantes referencias a él que he encontrado en muchos de los libros consultados. En un libro de corte diferente a la investigación artística (“El arte de viajar” Ed. Taurus. Madrid 2002) el filósofo Alain de Botton lo menciona como ejemplo de su capacidad para enseñar a ver y le dedica un capítulo dedicado a la importancia de adiestrar la mirada (pags.212 y ss.).
Biografía de John Ruskin (Su vida, historia, bio resumida) (buscabiografias.com)
John Ruskin - 137 obras de arte - pintura (wikiart.org)
(3). El movimiento “Arts & Crafts” fue más un precedente -lo mismo que el Art Decó se puede considerar un epílogo o “final con variaciones”-, al Art Nouveau. Cito de nuevo un texto de la ya mencionada Alice Jurrow: “Aunque Inglaterra nunca adoptó la estética del Art Nouveau con el mismo aplomo que la Europa Continental, contribuyó enormemente a su desarrollo. El trabajo de los talleres de William Morris y el gremio y escuela de artesanos de Charles Ashbee revolucionaron el diseño en Gran Bretaña y sus efectos, junto con las aspiraciones sociales y políticas del movimiento Artes y Oficios (Arts & Crafts), se sintieron en toda Europa. Los diseñadores probaron medios, diseño textil, de cerámicas y vitrales, en un intento de establecer el valor de la artesanía y su superioridad en comparación con la producción industrial. El arte medieval proporcionó inspiración y el trabajo de los prerrafaelitas cuyo objetivo era “estudiar la naturaleza atentamente…y simpatizar con lo que es directo y sincero…hasta la exclusión de lo que es convencional”, fue una fuente obvia para el culto a la naturaleza que impregnó gran parte de la estética del Art Nouveau.” (Op. cit. P.14)
Movimiento Arts and Crafts - Wikipedia, la enciclopedia libre
(4). Los prerrafaelitas fueron una Hermandad de pintores, pero también de poetas, escritores y críticos fundada a mediados del siglo XIX por John Everett Millais, Dante G. Rossetti y William Holman Hunt. La Hermandad tuvo poca duración, pero no así su influencia, ya que muchos de sus postulados fueron posteriormente absorbidos por otros movimientos. El nombre del grupo se debe al movimiento pictórico que iniciaban y que reivindica una vuelta al estilo estético anterior a Rafael, adoptando detallismo y colorido propio de los pintores flamencos e italianos del “trecento” y el “cuatrocento”. “A partir de 1856, Rossetti se convirtió en el principal representante de la tendencia medievalista del movimiento. Su obra influyó en su amigo William Morris, del que fue socio en su empresa (y con cuya mujer tuvo tal vez un idilio). Ford Madox Brown y Edward Burne-Jones fueron también socios de la misma empresa. Gracias a ella, los ideales de la hermandad influyeron en gran número de arquitectos y diseñadores de interior, despertando el interés por el dibujo y la artesanía medievales. Esto condujo al movimiento llamado Arts and Crafts, encabezado por Morris. También Holman Hunt se implicaría en este movimiento de reforma del dibujo mediante la compañía Della Robbia Pottery. Hunt y Millais evitaron después de 1850 la imitación directa del arte medieval, interesados en profundizar en los aspectos realistas y científicos del movimiento prerrafaelita. Sin embargo, Hunt continuó destacando la significación espiritual del arte y, tratando de conciliar religión y ciencia, documentó cuidadosamente sus pinturas de tema bíblico con viajes a Egipto y Palestina. Por el contrario, Millais abandonó los postulados prerrafaelitas después de 1860, volviendo paradójicamente a una pintura más académica, con influencias de Sir Joshua Reynolds, que fue duramente condenada por William Morris y otros artistas… Miembros de la Hermandad Prerrafaelita: John Everett Millais (pintor) Dante Gabriel Rossetti (pintor, poeta) William Holman Hunt (pintor) William Michael Rossetti (crítico) Thomas Woolner (escultor, poeta) James Collinson (pintor) Frederic George Stephens (crítico) Artistas y personalidades relacionados con la Hermandad Ford Madox Brown (pintor, diseñador) Edward Burne-Jones (pintor, diseñador) Arthur Hughes (pintor) Jane Morris (modelo) William Morris (diseñador, arquitecto) Valentine Cameron Prinsep (pintor, escritor) Christina Rossetti (poeta) Elizabeth Siddal (pintora, poeta y modelo) John William Waterhouse (pintor) Thomas Cooper Gotch (pintor) Evelyn De Morgan (pintora) Walter Howell Deverell (pintor) Charles Allston Collins (pintor) Thomas Seddon (pintor) John William Inchbold (pintor) Henry Wallis (pintor) John Brett (pintor) Anthony Frederick Augustus Sandys (pintor) Simeón Solomon (pintor) Eleanor Fortescue-Brickdale (pintora) John Byam Liston Shaw (pintor)
(Fuente: Wikipedia.: Hermandad Prerrafaelita - Wikipedia, la enciclopedia libre ).
En este mismo blog: Desde el Renacimiento hasta nuestros días: Prerrafaelitas. Índice. (desdeelrenacimientohastanuestrosdias.blogspot.com)
(5). Arthur Heygate Mackmurdo fue un artista ingles que estudió con John Ruskin. Viajó por Italia con éste que lo animó a que estudiase arquitectura pero hoy en día se recuerda más a Mackmurdo por su trabajo en las artes decorativas. En 1882 creó el gremio conocido como Century Guild, una sociedad cooperativa de artistas y artesanos entre los que se encontraba William de Morgan (1839-1917), el diseñador más famoso de azulejos en el estilo Arts & Crafts. “El Century Guild promovió diferentes medios y materiales desde la tipografía hasta los tapices, y su objetivo era unificar una variedad de oficios y elevar las artesanías al mismo nivel que las bellas artes. Los estilos que se desarrollaron fueron eclécticos y, en muchos casos, se les puede considerar como los predecesores de las curvas asimétricas y el restallido de la “línea gótica” del Art Nouveau.” (“Art Nouveau”. Madrid, Edimat 2007. Pág. 232).
Arthur Mackmurdo - Wikipedia, la enciclopedia libre
Arthur Mackmurdo (urbipedia.org)
(6). Víctor Horta nació en Ghent y estudió en Bruselas en la École des Beaux Arts. Estuvo influido por otros arquitectos contemporáneos como el historicista Viollet-le-Duc (restaurador del estilo “medieval” que hoy en día luce, por poner un ejemplo, Carcasonne, Francia). Trabajó fundamentalmente en Bruselas diseñando tiendas comerciales así como numerosas residencias privadas. El Hotel Solvay es uno de sus proyectos que permanece todavía bastante intacto. Horta disfrutaba del contraste causado por el uso de materiales de distintas texturas y a menudo utilizó materiales industriales que eran visibles, incluso resaltados mediante luces eléctricas.
Biografía y trabajo del arquitecto Víctor Horta – Moove Magazine
Home - Hôtel Solvay (hotelsolvay.be)
(7). Héctor Guimard fue arquitecto, decorador y diseñador de muebles. Es especialmente conocido por su obra en el Metro de París en donde utilizó hierro forjado y calado y vidrio entretejidos. Su obra asombró a los visitantes de la Exposición Universal de 1900 tanto como a muchos turistas de hoy. Al igual que Horta fue influenciado por Violet-le-Duc alcanzando gran reconocimiento por el uso innovador de materiales y como presentador en sociedad del emergente Art Nouveau.
Biografia de Hector Guimard (biografiasyvidas.com)
(8).Toulouse Lautrec nació en Albi (en donde hay un pequeño pero interesante museo en su honor). Innovador, rompió con los métodos tradicionales de pintura inspirándose en pintores contemporáneos y en la cultura y arte japonés (que tanto impacto e influencia tuvieron en muchos artistas franceses). Alice Jurrow observa: “la representación de la mujer en el arte durante el cambio de siglo destapa otro reto importante para las sociedades contemporáneas: las mujeres eran representadas, habitualmente, como figuras de fantasía, interactuadas con la naturaleza, unidas a ella. En contraste, los cuadros realistas, valientes y animados de Toulouse-Lautrec demostraron que las mujeres podían ser retratadas como auténticas personas, involucradas en los aspectos mundanos de la vida diaria. Era el momento de una nueva era para las mujeres, tanto en la sociedad como en el arte, y la tensión entre el deseo de mantener el estado de las cosas y el floreciente movimiento a favor de los derechos de la mujer debió ser palpable para los artistas vanguardistas” (Óp. cit. P.16).
Sobre Toulouse-Lautrec (como sobre casi todos los pintores franceses de la época) hay infinidad de libros pero quisiera señalar aquí uno que, por su ajustado precio y buena calidad de impresión, es muy recomendable: “Toulouse-Lautrec” Editorial TASCHEN.
Henri Toulouse-Lautrec - Historia Arte (HA!) (historia-arte.com)
(9). Pierre Puvis de Chavannes nació en Lyon en 1824 y murió en París en 1898. “Tras estudiar en la École polytechnique, pasó una temporada en Italia. Decidió consagrarse a la pintura estudiando la obra de Eugène Delacroix y Thomas Couture. Al principio expuso en el Salón de 1850, pero tuvo problemas para hacerlo después. En 1854 y 1855, Puvis de Chavannes realizó frescos y pinturas murales en Amiens y en el Panteón de París. Sus obras son representativas del simbolismo pictórico. En Montmartre, tuvo una relación con una de sus modelos, Suzanne Valadon, que se convertiría más tarde en una de las artistas más importantes de su época. En 1890, fue uno de los fundadores de la Société Nationale des Beaux-Arts de la que más tarde sería presidente, y que pondría su nombre a unos premios, primero en el Musée d'art moderne du Trocadero y luego en el Grand Palais de los Campos Elíseos. Principales galardonados: Maurice Boitel (1963), Pierre-Henry (1968), Louis Vuillermoz (1969), Daniel du Janerand (1970), André Hambourg (1987). Puvis fue un autor de éxito, que abordó decoraciones en edificios públicos de Europa y Estados Unidos. Concitó al mismo tiempo elogios y furibundas críticas; su éxito y proximidad a las altas esferas disgustaban a muchos pintores impresionistas que estaban pugnando simplemente por subsistir. Sin embargo, los maestros realmente rompedores, Gauguin y Picasso, así como el grupo de los Nabis, admiraron a Puvis por su fantasía y por el uso libre que hacía del color y de las formas. Su técnica favorita era el óleo sobre lienzo, pero con una característica que lo hacía muy especial, que era la de simular el fresco. Organizaba las obras sobre telas de gran formato que luego encolaba a las paredes. Sus temas estaban inspirados en mitología, historia y literatura. Las referencias clásicas en su forma de trabajar estaban también inspiradas en los artistas que conoció durante su viaje a Italia. Se dedicó a simplificar el dibujo y en la aplicación del color, trabajó a base de grandes superficies de un mismo tono, que se podían considerar el anticipo de Paul Gauguin. Sus obras presentan una atmósfera de quietud. Parecen visiones que van más allá del tiempo y del espacio.”
Pierre Puvis de Chavannes - Wikipedia, la enciclopedia libre
Pierre Puvis de Chavannes - Historia Arte (HA!) (historia-arte.com)
(10). Gustave Moreau (1826-1898), es claramente un pintor que se anticipó al movimiento simbolista en el que mayoritariamente se le incluye (aunque el movimiento “oficial” empezó en 1886 con Jean Moréas). Algunos estudiosos lo relacionan puntualmente con el modernismo más por la influencia que tuvo sobre algunos de sus miembros que porque él colaborase activamente en dicho movimiento. La casa en donde vivió en París (Calle La Rochefoucauld nº 14) es hoy en día un museo dedicado a él y una visita muy recomendable para todos los aficionados al arte. En la colección TASCHEN también encontramos un tomo dedicado al movimiento simbolista en el que se analizan algunas de sus obras (“El simbolismo”, de Michel Gibson Ed. Taschen.).
Moreau, Gustave. Museo Nacional Thyssen-Bornemisza (museothyssen.org)
Gustave Moreau - Historia Arte (HA!) (historia-arte.com)
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